Kabaret (1972)

MC Joela Greya, kultowy element „Kabaretu”, jest głupcem w sensie szekspirowskim: jego skandaliczny makijaż i błazeńskie zachowanie dają mu licencję na wypowiadanie najbardziej wstydliwych prawd i poruszanie najsurowszych tabu. Nigdy nie widzimy go poza jego osobowością MC, ale widzimy dwie warstwy jego występów. Jako gospodarz międzywojennej berlińskiej burleski jest na jednym poziomie – i być może dla niego jest to jedyny poziom – jest artystą estradowym dla nazistowskich tłustych kotów oraz bogatych Jankesów i Brytyjczyków na kontynentalnych wakacjach. Ale sztuka naśladuje życie i możemy też zobaczyć, być może aż nazbyt wyraźnie, jak piosenki, które MC prezentuje, odzwierciedlają wydarzenia w świecie poza klubem. Rosnąca śmiałość partii nazistowskiej jest widoczna w szybkich cięciach między przemocą tłumu na ulicach a kreskówkowym gestem MC na scenie. Niezwykły trójkąt miłosny między pełną nadziei aktorką Lizy Minelli a jej brytyjskimi i niemieckimi kochankami ma swój wymowny odpowiednik w piosence „Two Girls”. Co najbardziej szokujące i niejednoznaczne, MC wyśmiewa antyżydowskie przepisy dotyczące krzyżowania ras, romansując z osobą w stroju goryla i pytając, dlaczego społeczeństwo powinno stanąć na drodze ich miłości. Czy partia nazistowska uznała tę rutynę za aprobatę ich polityki, ponieważ idea zakochanego człowieka i goryla jest ewidentnie głupia, czy też zrozumieją, że pytanie MC naprawdę poruszyło publiczność pomimo pozorów absurdalnej komedii? ? Muzyka z „Cabaretu” bardzo śmiało podkreśla wątki fabularne, ale to działa, bo wszystko jest tak bezwstydnie teatralne. Dopasowując się do osiągnięć Joela Greya i znacznie przyćmiewając słaby zwrot Michaela Yorka, Liza Minnelli daje świetny występ wszechczasów, szczególnie w utworach „Mein Herr” i utworze tytułowym.

Willkommen, bienvenue, witamy! Fremde, obcy, obcy. Ten film jest fenomenalny, jeden z najlepszych musicali wszech czasów. Wyreżyserowany przez Boba Fosse, co za wspaniałe występy Joela Graya i Lizy Minnelli na tym zdjęciu. Kabaret to świetna zabawa. Film jest luźno oparty na książce Christophera Isherwooda z 1939 roku „Berlin Stories: Goodbye to Berlin” i sztuce Johna Van Drutena „I am a Camera” z 1951 roku. Kabaret został przekształcony w musical na Broadwayu w 1966 roku z muzyką Johna Kandera , a słowa Freda Ebba. Kiedy stał się hitem, film został wyprodukowany w 1972 roku, aby wykorzystać tę sławę. Akcja filmu rozgrywa się w Berlinie podczas Republiki Weimarskiej w 1931 roku, pod złowrogą obecnością rosnącej partii nazistowskiej, gdzie Mały klub nocny Kit Kat Klub walczy o przetrwanie w nadchodzących miesiącach nowego, surowego reżimu. Odkąd musical wciąż przerabiał scenariusz, z biegiem lat. Wiele materiałów źródłowych zmieniło się w czasie. W tej wersji, młoda Amerykanka Sally Bowles (Liza Minnelli) występuje w Kit Kat Klub, prowadząc pensjonat. Do miasta przyjeżdża nowy nauczyciel angielskiego, Brian Roberts (Michael York), który wprowadza się do niej. Początkowo trzymali się nawzajem. na rezerwacjach, starając się nie zakochać w h siebie. W miarę upływu czasu oboje odkrywają, że są w sobie szaleńczo zakochani, podczas gdy świat znajduje nowe sposoby, aby ich rozdzielić. Aktorstwo jest całkiem dobre. Naprawdę nie wyobrażam sobie nikogo innego w roli Sally Bowles. Rzeczywiście, śpiewanie Lizy jest zbyt utalentowane, niż powinna być jej postać, ale tak naprawdę nie zaszkodziło to filmowi. Sally Bowles została oparta na Jean Ross, aspirującej aktorce, piosenkarce i pisarce, która wiodła barwne życie. Jean Ross był urażony postacią graną przez Lizę, nazwij to apolityczną. W końcu Jean Ross ma rację. Sally Bowles może nie jest najbardziej lubianą postacią, ponieważ robi wiele okropnych rzeczy, ale tak, Liza Minnelli wciąga cię swoim urokiem. Nie możesz pomóc, współczując jej. Zawsze miała to szalone, nerwowe, prawie zdesperowane usposobienie we wszystkim, w czym jest Liza. To naprawdę wyjaśnia, dlaczego po tym nie zrobiła zbyt wiele kariery filmowej. Normalnie uważam to za odpychające, ale tutaj sprawdza się doskonale w tej roli. Sally zawsze wygląda i brzmi, jakby głęboko, desperacko wypierała się swojego życia i stanu Berlina, i ciągle wydaje się być na krawędzi załamania nerwowego. Naprawdę zrobiło mi się żal bohatera Michaela Yorka, że ​​musiałem z nią radzić. Nigdy nie rozumiałem dlaczego, zmienili nazwę postaci z Cliff Bradshaw na Brian Roberts. Wydaje się to trochę dziwne. Uważam, że York zachowuje się dobrze, ale nigdy się nie wyróżniał. Uznałem, że jego wielkie ujawnienie Sally o tym, co stało się z Maximilianem von Heune (Helmut Griem), w połowie filmu, było świetnym zwrotem akcji. To nie było w wersjach scenicznych. Film zajmował się także wątkami pobocznymi, zajmującymi się innymi postaciami, takimi jak Fritz Wendel (Fritz Wepper), niemiecki Żyd udający chrześcijanina, który zakochuje się w Natalii Landauer (Marisa Berenson), bogatej niemieckiej dziedziczce Żydówki. Ta część filmu zawsze wydawała się innym filmem. Cóż, nigdy się nie mieszało. Wątek poboczny z powieści dotyczy skazanego na zagładę romansu między niemiecką właścicielką pensjonatu Fräulein Schneider i jej starszym adoratorem, Herr Schultzem, żydowskim sprzedawcą owoców, który nigdy nigdzie nie dotarł, ponieważ został wycięty z filmu. Cieszę się też, że wycięli scenę z martwym psem. To było okropne. W tradycyjnej manierze teatru muzycznego każda znacząca postać w scenicznej wersji Kabaretu śpiewa, aby wyrazić emocje i posunąć fabułę, zapowiadając każdą piosenkę z Mistrzem Ceremonii (Joel Grey). Fosse wyciął wiele piosenek, takich jak „Don't tell momma”, „So What?”, „Telephone Song”, „Perfectly Marvelous”, „Why Should I Wake Up?”, „The Money Song”, „It Couldn” t Please Me More, „Meeskite” i „What You Do Do?” Zastąpił je nowymi utworami, takimi jak „Mein Herr” i „Money, Money”. Były o wiele lepsze niż tamte inne piosenki. Piosenki „Willkommen” i „Kabaret” były przecież najlepszymi utworami w musicalu. Klub służy jako metafora groźnego stanu późnych Niemiec weimarskich, co jest jasne. Choć może to być długi odcinek, film może być również metaforą amerykańskiego ruchu Ku Klux Klan, który zyskiwał na popularności w latach 60. XX wieku. W końcu klub miał te same inicjały Klanu. Rzeczywiście, KKK nie przyjęła nazizmu, ponieważ wierzy w zupełnie inną formę rządu i wolności. Ale tak jak w filmie, kultura KKK wcielająca nazizm w ich życie. To może być coś do przemyślenia. Szczerze mówiąc, jedyną piosenką, która nie była grana w klubie była „Jutro należy do mnie” w ogródku piwnym niemieckiej młodzieży była mocna. Co za naprawdę wspaniała, przerażająca piosenka dwóch wielkich żydowskich autorów piosenek. Świetne wykorzystanie starszego mężczyzny w tle tej sceny. Reżyser Bob Fosse wiedział, jak nakręcić ten film i jest to jedno z jego najlepszych ujęć w filmie. Jak na film z oceną PG. Ma silne motywy dla dorosłych. Zakończenie filmu jest trudne do przełknięcia. W przeciwieństwie do innych musicali w tamtym czasie, ten nie kończy się pozytywną nutą. Mimo to film rzeczywiście odniósł sukces i zdobył wiele Oscarów z 8. W tamtym roku zdobyłby nagrodę dla najlepszego filmu, gdyby film „Ojciec chrzestny” nie był tak cholernie niesamowity. Film jest łatwy do znalezienia, mimo że nie jest dostępny w wysokiej rozdzielczości lub prezentacji cyfrowej, z powodu naprawdę złej rysy na oryginalnym filmie. Ogólnie: był to świetny komentarz do „maski normalności”, którą ludzie noszą podczas narastania faszyzmu w Niemczech. Obowiązkowa uwaga dla każdego miłośnika muzyki.

Ponadczasowy klasyk! Same numery muzyczne są znakomite, nawet 30-letnie młodsze CHICAGO (2002, 8/10) blednie w porównaniu. Mój pierwszy film Boba Fosse'a, z pewnością film zyskał klasyczną sławę jako największy zdobywca Oscara w 1973 roku, z 8 zwycięstwami (w tym NAJLEPSZY REŻYSER, AKTORKA DRUGOPLANOWA i AKTOR DRUGOPLANOWY) i prawie uzurpował sobie trofeum za NAJLEPSZY OBRAZ od OJCA CHRZESTNEGO (1972) , 9/10), gdyby tak było, spowodowałoby to głośny odwrotny skutek w historii filmu, ale sam film jest nieomylną perełką wśród nieśmiertelnego gatunku muzycznego, moje pierwsze obejrzenie jest na wskroś radosnym przeżyciem, i wysuszone, jest na mojej liście winnych przyjemności. To także mój pierwszy film Lizy Minnelli, „międzynarodowa sensacja” kabaretu Sally Bowles, niewinna wampirzyca, Liza dodaje swojej roli rozbrajającą witalność i osobliwie przypomina sobowtóra Anne Hathaway z bobami, nie tylko promieniuje swoją wspaniałością, oddając jej porządną -ponętne melodie pokazowe (do tego się urodziła), jej portret życia osobistego Sally jest równie (jeśli nie bardziej) wzruszający, jej naiwność sarnich oczu i niepohamowana radość życia, miłości, sławy podnoszą jej postać na mistrza jej własnego losu, jej poświęcenie może nie być zgodne z pstrokatymi poglądami na życie, ale pełne posłuszeństwo wobec jej niezależności i odwagi jest należycie zasłużone. Michael York, za swoją niezdarną zniewieściałością, pogrąża się w bardziej kontrowersyjnym przedsięwzięciu, Brian Roberts, książkowy, biseksualny temperament jego bohatera jest prowokacyjnym tabu na dużym ekranie (jak od zawsze) i niejawną pokusą menage à trois (z Sally i uprzejmy Helmut Griem, którego gentryfikowana wytworność jest absolutnie nie do odparcia) gotowała się w idealnej temperaturze, podszyta jako manifestacja zainicjowania fali wyzwolenia seksualnego (w filmie niemieckim do lat 70., wbrew wschodzącemu nazistowskiemu środowisku). Jest wątek poboczny dotyczący zauroczenia przygnębionego Niemca bogatą, ale pruderyjną żydowską dziewczyną, pod koniec jest ironiczny zwrot, jednak nigdy nie udaje się ukraść światła reflektorów Sally i Bri, ale Marisa Spokojny występ Berenson wciąż zasługuje na poklepywanie się po plecach (choć dychotomia obrazów kobiet jest nieco przestarzała). Joel Grey, jako tzw. „Mistrz ceremonii” i zdobywca Oscara (przeciwko trzem kolegom z OJCA CHRZESTNEGO), występuje w filmie tylko jako wykonawca, brak wyraźnego przywiązania do fabuły, jego scenografie muzyczne są burleskie, ryzykowne, ale zabawny do szpiku kości, z mozolną mimikrą niemieckiego akcentu, to ciężko zasłużony zaszczyt, chociaż nie rozumiem, jakim cudem Al Pacino mógł przegrać. Film opuszcza kurtynę tuż przed wszechobecnością nazistowskiego okrucieństwa, zakończenie z niejasnymi refleksjami okupującej to miejsce widowni III Rzeszy sublimuje materialistyczne olśnienie w przerażająco złowrogi zakres, którego film nie ma zamiaru manipulować, ale widzowie to zrobią. intuicja, co będzie dalej. Świetne nakręcanie, schludne i mocne!

Reżyser Bob Fosse nie zdobył ogromnego uznania, ale jego filmy mają charakterystyczny smak. Wydaje się, że ma obsesję na punkcie świata music-hall, co widać w innych filmach, takich jak „Sweet Charity” i „All that Jazz”. Jednak w innych jego filmach występy muzyczne prawie całkowicie kradną show. Wyjątkiem jest „Kabaret”, ponieważ ma ciekawe tło i fabułę, a występy w music-hall są tu sprytnie wykorzystane do zilustrowania i podkreślenia fabuły. Odgrywają mniej więcej taką samą rolę jak Chór w sztuce starożytnej Grecji. Oczywiście samo przedstawienie „Kit Kat Club” Kabaretu zasługuje na uwagę. Nic dziwnego, że miłośnik kabaretu, taki jak Bob Fosse, zainteresował się okresem Republiki Weimarskiej w Niemczech, kiedy to „boska dekadencja” była nazwą gry. Tylko Bob Fosse był w stanie odtworzyć z tak pochłoniętym zaangażowaniem groteskowy brud berlińskiego pospolitego życia w okresie narastania nazizmu, kontekst, który był inspiracją dla malarzy ekspresjonistycznych i dla „Opery za trzy grosze” Brechta. W napisach końcowych przyjrzyj się publicznie kobietą z krótkimi włosami i okularami palącą papierosa (coś dość podejrzanego w 1931 roku!). Jest to dokładna reprodukcja słynnego obrazu Otto Dixa. Niezwykle szczerzący się klaun (Joel Grey) przedstawia każdy numer kabaretowy. Dziewczyny pojawiają się we wszystkich możliwych wykrzywionych pozycjach, zachowując ponurą minę. Klub Kit Kat przypomina rzymską arenę, gdzie publiczność jest gotowa na wszystko, co szalone (nawet kobiety walczą w błocie...). Aby dać wyobrażenie o tym, czym jest ten klub, Michael York staje w pewnym momencie obok transwestyty w męskim pisuarze… Występy kabaretowe stają się tym bardziej prowokacyjne, im akcja staje się napięta. Klub jest zasadniczo niemoralnym miejscem, gdzie wszystko jest na sprzedaż i bezwstydnie dostosowuje się do nadchodzących radykalnych zmian politycznych. Postać Lizy Minelli doskonale czuje się w takim otoczeniu. Jej osobowość jest doskonale zarysowana w jej piosence „Bye Bye Mein Herr”. Jest wcieleniem wampirzycy, bezdusznej i naiwnej, zabójczej kobiety, która doprowadza mężczyzn do szaleństwa, a potem oddaje ich jak zabawki. Rzeczywiście, bardzo typowy stereotyp okresu międzywojennego, jak Marlena Dietrich w „Błękitnym Aniele”... Występ Minellego na scenie z pasami do pończoch i melonikiem do dziś wygląda elegancko niegrzecznie. Jednak prawdziwa natura jej postaci jest dobrze zbadana, gdy tylko schodzi ze sceny. Chociaż Minelli nie może oprzeć się ciągłej ekstrawagancji, okazuje się, że jest delikatną kobietą zaniedbaną przez ojca i wymagającą stałej i odnowionej uwagi. Jak przewidziała w jej piosence, w zasadzie udowadnia, że ​​nie jest w stanie zaangażować się w żaden poważny związek, pomimo jej zaangażowania z Michaelem Yorkiem („I chociaż mnie to obchodziło, potrzebuję otwartego powietrza, możesz we mnie wątpić Mein Herr”) . Scenariusz powstał na podstawie opowiadania brytyjskiego pisarza Christophera Isherwooda, zatytułowanego „Pożegnanie z Berlinem”, opartego na jego osobistych wspomnieniach. To podobno postać grana przez Michaela Yorka. Poważny młody człowiek z wyższej klasy, na ślepo spotyka Lizę Minelli, szukając mieszkania, w którym mógłby dzielić. Przedstawia go różnym ludziom, od motłochu po arystokrację, w tym żigolaka, żydowską dziedziczkę i dwuznacznego barona, który odprawia ich obu po „zabawieniu się” z nimi dwoma. Trzeźwy występ Michaela Yorka wygląda nieco blado w przeciwieństwie do histrionicznej Lizy Minelli, ale oczywiście było to konieczne, aby podkreślić zasadniczą różnicę między tymi dwoma nieznajomymi. Film kończy się, gdy rozstają się na peronie kolejowym, ale można się domyślać, że wspólne doświadczenie zmieniło ich oboje, jego zdaniem, było definitywnym osiągnięciem pełnoletności. Jedna ze scen w środku filmu jest dość niepokojąca. W wiejskim gospodzie młody mężczyzna z SA śpiewa piosenkę „Tomorrow należy do mnie”, która zaczyna się nostalgicznie, ale stopniowo przeradza się w zaraźliwy marsz nazistów, gdy cały tłum dołącza do niego. Wydaje się, że ta nieoczekiwana liczba wprawiła w zakłopotanie wielu widzów. Gdyby nazizm przedstawiał się jako czyste zło, czy odniósłby jakikolwiek sukces? Ta śmiała scena pokazuje, że dla wielu Niemców ówczesnych czasów była symbolem pozytywnych wartości: piękna, tradycji, porządku, dumy, przyszłości. Gdybyś nie wiedział, jak się sprawy potoczyły, czy nie miałbyś pokusy śpiewania tego potężnego hymnu do ojczyzny, gdy to oglądasz? Dobre pytanie, które można sobie zadać nawet w dzisiejszych czasach...