Przepraszam, że przeszkadzam (2018)

Co jakiś czas pojawia się film, a potem naprawdę skłania cię do "woah". A to jest jeden z tych filmów. Nie mam pojęcia, jak filmowiec wymyślił te wszystkie rzeczy, które nam tutaj pokazuje. I trudno to ogólnie opisać, ponieważ jest to film, który podejmuje establishment i społeczeństwo oraz nasz pogląd na system klasowy, a także ma coś do powiedzenia na temat tych telefonów, które dostajesz, kiedy nieznajomy próbuje ci coś sprzedać. Chodzi też o rasę ("rap" jest prawie zbyt żałosny i powinien sprawić, że poczujesz się niekomfortowo, a jednocześnie sprawić, że będziesz się uśmiechać) i inne rzeczy. I ma fantastyczną obsadę, która wspiera wszystkie dziwne rzeczy, które są przedstawione w filmie. Nie mogę nachwalić filmu za to, że jest inny. To naprawdę spełnia swoje założenie i o co jeszcze można prosić? Może nie dotykać żadnego z Twoich zmysłów, może Ci się nie podobać, ale jest po mistrzowsku wykonany (w tym wady)

Pean na proletariat. Prozwiązkowy okrzyk bojowy. Ideologiczne wypatroszenie późnego kapitalizmu. Dekonstrukcja chciwości korporacji i towarzysząca jej komercjalizacja poczucia własnej wartości, niezbędna do odniesienia sukcesu. Krytyka polityki tożsamości. Alegoria rasizmu instytucjonalnego w wielkim biznesie. Wyśmiewanie kultury bro z Doliny Krzemowej. Przepraszam, że przeszkadzam, debiutancki film scenarzysty/reżysera Bootsa Rileya to wszystko i wiele więcej. Bardzo w tonacji absurdalnej fikcji, takiej jak Il deserto dei Tartari Dino Buzzatiego (1940) i Niewidzialny człowiek Ralpha Ellisona (1952), a także rasowego kina satyrycznego, takiego jak Putney Swope (1969) i Watermelon Man (1970). film czerpie bardziej bezpośrednią inspirację z Fausta Johanna Wolfganga von Goethego (ok. 1806-1831), Repo Man (1984) oraz dzieł Spike'a Jonzego, Michela Gondry'ego i, co dziwne, Kena Loacha. Czarna komedia/satyra juwenalistyczna/science fiction/horror/realista magii/alegoryczne studium postaci, niemożliwe do sklasyfikowania. Film, zajmujący się przeszkodami, przed którymi stoją Afroamerykanie w zdominowanym przez białych korporacyjnym środowisku i zakładając, że doświadczenie pracowników jest determinowane zarówno przez warunki pracy, jak i rasę, analizuje stosunki pracy, kwestie płacowe, solidarność pracowniczą, uzwiązkowienie, środki masowego przekazu i niebezpieczeństwa związane ze zdradą samego siebie i wybieraniem awansu korporacyjnego nad przyjaźnie, relacje i uczciwość osobistą. Choć to o bit lub dwa za długi i choć spektakularnie dziwaczny skręt w lewo na końcu drugiego aktu z pewnością zrazi wielu widzów, to dekonstrukcja i komiczne zawłaszczenie kodu przełączającego owocuje filmem, który wciąż jest odkrywczy. wysoce konfrontacyjny i niezwykle zabawny. Umieszczona w Oakland w Kalifornii w „alternatywnym teraźniejszości”, firma WorryFree oferuje wyżywienie i zakwaterowanie w zamian za dożywotnią umowę o pracę bez wynagrodzenia, praktykę, którą Sąd Najwyższy uznał za legalną i nie równoznaczną z niewolnictwem. Przeciwko WorryFree stoi radykalna grupa „Left Eye”, która organizuje protesty i niszczy billboardy WorryFree. Tymczasem Cash Green (LaKeith Stanfield) jest telemarketerem pracującym dla RegalView, który za radą doświadczonego współpracownika (Danny Glover) odkrywa swój „biały głos” i wspina się na szczyt łańcucha pokarmowego firmy. Stopniowo jednak dowiaduje się, że RegalView sprzedaje niewolniczą siłę roboczą firmie WorryFree. Rozdarty między ujawnieniem WorryFree a jego znacznymi zarobkami, dylemat Casha pogłębia się, gdy dyrektor generalny WorryFree, Steve Lift (spektakularny Armie Hammer) oferuje mu kontrakt na milion dolarów rocznie. Jednak Cash następnie dokonuje odkrycia, które zmienia wszystko, nie tylko dla niego, ale potencjalnie dla całej ludzkości. W swej istocie Sorry to Bother jest antykorporacyjnym, proletariackim okrzykiem rajdowym, czymś, z czym Riley był zaangażowany od dziesięcioleci jako główny wokalista The Coup i Sweet Sweeper Social Club. Jednak w przeciwieństwie do niedawnej satyry Assassination Nation (2018), „Przepraszam, że przeszkadzam” nie interesuje się szczególnie polityką jako taką, a już na pewno nie w wyraźnym sensie filmów takich jak Stachka (1925), Medium Cool (1969) czy Bulworth (1998). ). Nie znaczy to, że film całkowicie ignoruje politykę, ale podchodzi do tematu z boku. Na przykład w najpopularniejszym programie telewizyjnym w kraju, I Got the S--t Kicked Out of Me, ludzie są brutalnie atakowani przez rodzinę i przyjaciół, a następnie zanurzani w kadzi z kałem, przy czym Riley zapewnia niewielką lub żadną kontekstualizację (myśl, że to Not My Problem! z RoboCop (1987), gdzie powiedzenie Bixby Snydera (S.D. Nemeth) „Kupiłbym to za dolara” jest używane jako uniwersalna odpowiedź na każdą sytuację). Ta bezmyślna konsumpcja bezsensownych i moralnie wątpliwych treści wskazuje na bierność mas, ich krytyczne zdolności są albo uśpione, albo całkowicie nieobecne (odwrotność verfremdungseffekt, jeśli wolisz). Klipy z serialu są widoczne w całym filmie, dzięki czemu Riley może przedstawić środowisko, w którym popularna rozrywka osiągnęła niewyobrażalny poziom. Innym przykładem pseudopolitycznego aspektu filmu są wszechobecne billboardy i reklamy telewizyjne reklamujące WorryFree, sugerujące korupcję lub kooptację środków masowego przekazu. Riley skupia się w dużej mierze na kwestiach ekonomicznych, z dużą dozą humoru wywodzącego się z sytuacji materialnych. Jednym z najłatwiejszych sposobów na przeanalizowanie filmu jest potraktowanie go jako przypowieści o wyprzedaży, polemika z równymi częściami i przyznanie, że jest prawie niemożliwe, aby się w jakiś sposób nie sprzedać. Rzeczywiście, ostatni akt filmu wprost dotyczy dosłownej dehumanizacji siły roboczej (mam na myśli „dosłowność”). RegalView i WorryFree istnieją w systemie gospodarczym zbudowanym na zubożeniu wielu dla dobra nielicznych, a Riley próbuje ujawnić znaczenie granicy ubóstwa dla dalszego funkcjonowania późnego kapitalizmu. Sugeruje, że w takim systemie Afroamerykanom jest wyjątkowo trudno odnieść sukces, o ile nie są skłonni do zmiany kodu. W tym sensie, chociaż pojęcie „białego głosu” pełni praktyczną funkcję w narracji, jego najistotniejszą cechą jest to, że jest przedmiotem alegorycznej satyry, hiperbolicznej karykatury tego, co Afroamerykanie muszą zrobić, aby przetrwać w kaukaskim społeczeństwie. szeregi korporacji kulturalnych Doliny Krzemowej; muszą dosłownie porzucić część siebie i udawać, że są kimś Innym. Pod względem estetycznym film przyjmuje styl wizualny, na który wyraźnie wpłynął Michel Gondry i, w mniejszym stopniu, Terry Gilliam. Szczególnie interesującym zabiegiem estetycznym, o czym może zaświadczyć każdy, kto widział zwiastun, jest sposób obsługi białego głosu – zamiast zmuszania aktorów do przemawiania innym głosem, Riley zamiast tego dogrywa głosy białych aktorów; kiedy przyjaciel Casha, Salvador (Jermaine Fowler) po raz pierwszy słyszy biały głos Casha, dosłownie mówi mu „brzmisz przedubbingowany”. Jednak synchronizacja ust jest, prawdopodobnie celowo, daleka od doskonałości, a głos nie do końca pasuje do ruchów ust aktorów. To nieco odrzuca sceny, tworząc dodatkową warstwę surrealizmu i podkreślając absurdalność całej sprawy, zwracając uwagę na to, jak długo ci ludzie muszą się posunąć, aby osiągnąć prawdziwy sukces. Fakt, że nasza kultura przywiązuje taką wagę do „poprawnej” intonacji, jest sam w sobie absurdalny, jak ekstremalna wersja głosu telefonu, który prawie każdy ma, a ponieważ nie udaje się idealnie zsynchronizować białego głosu z czarnym aktorem, Riley jest zdolny do dekonstrukcji i zwrócenia uwagi na ten absurd. Inną wielką innowacją estetyczną filmu jest to, że Cash zanurza się (nieszczególnie z gracją) w salonie ludzi, do których dzwoni, biurku i wszystkim innym. Oczywiście zwraca to uwagę na poziom wtargnięcia, z jakim większość ludzi wita się z telemarketerami, ale przynajmniej na początkowych etapach, podkreśla również własne zakłopotanie Casha w byciu intruzem, widoczne najwyraźniej, gdy wpada na parę uprawiającą seks. Jest to znakomicie obsługiwany kawałek wizualnego skrótu, przedstawiający wewnętrzny proces Casha, bez konieczności werbalizowania go w dowolnym momencie. Imponujące jest również aktorstwo. Podczas gdy wyróżniającymi się występami są zdecydowanie Hammer i Omari Hardwick (grający pana _______, przełożonego Casha w WorryFree), Stanfield z pewnością ma swoje własne, a jego język ciała zapewnia klinikę występów bez słów. Na początku filmu jest zgarbiony i przygarbiony, każdy jego ruch wydaje się niewygodny, jakby czuł się nieswojo we własnej skórze. Później jednak, po awansie w RegalView, jego fizyczność nabiera łatwiejszego charakteru, nosi się pewniej, jakby telemarketing o dużej mocy pomógł mu odnaleźć siebie, coś, co w kontekście całości jest podwójnie ironiczny. I bez względu na to, jak surrealistyczne stają się rzeczy (i uwierz mi, stają się bardzo, bardzo surrealistyczne), aktorzy trzymają wszystko na ziemi, jakby to, czego doświadczają w danym momencie, było najbardziej naturalną rzeczą na świecie. Oczywiście nie wszystko jest idealne. Dziwnie nieoczekiwany zwrot akcji pod koniec drugiego aktu będzie dla niektórych zbyt duży (na pokazie, w którym uczestniczyłem, było wiele opuszczeń). Film jest też o bit lub dwa za długi, a dno do pewnego stopnia opada, zanim osiągnie szalone zakończenie. Jest też scena w połowie kredytu, która służy jako rodzaj epilogu, który, jak sądzę, był powtórką, gdy publiczność testowa uznała początkowe zakończenie za zbyt gwałtowne. Dla mnie jednak to nie do końca działa i zdecydowanie wolałbym oryginalne, nieco ciemniejsze zakończenie. Poza tym, przy tak dużej ilości satyry i humoru, prawie z definicji, nie każdy żart się kończy. Jednak drugą stroną tego jest to, że kiedy humor Rileya trafia w cel, jest wzniosły – Pan _______ dosłownie odmówił podania imienia, na przykład, dwuwyrazowy rap Casha radośnie wiwatowany przez zebranych yuppies z Lift. „Sorry to Bother You” jest tak samo aktualny i trafny, jak zabawny i lekceważący, tak postępowy, jak radykalny i tak pomysłowy, jak pewny siebie. Odkrywając skrzyżowanie rasy i ekonomii z całkowicie satyrycznego punktu widzenia, film zarówno potępia, jak i sympatyzuje z tymi, którzy decydują się w jakiś sposób sprzedać, aby wspiąć się po drabinie sukcesu. Teraz, po czterdziestce, Riley jest weteranem protestów politycznych, agitatorem z piśmiennością Chomsky'ego, który twierdzi tutaj, że najważniejszy podział w USA nie dotyczy białych i czarnych, tylko tych z pieniędzmi i tych bez pieniędzy. Sugerując, że chęć przekroczenia tego podziału może prowadzić do mentalności stadnej, film argumentuje, że siła robocza nigdy nie może zapominać o swojej zbiorowej sile i nigdy nie może zwracać się przeciwko sobie, ponieważ w takiej sytuacji kierownictwo będzie wykorzystywać pracowników jak konie.

Przepraszam, że przeszkadzam to dziwna, surrealistyczna, przezabawna satyra prowadzona przez celowo niepewną rękę rapera-aktywisty, który został debiutantem, Bootsa Rileya. Bawi się w komentarzach na tematy związane z mediami, społeczeństwem, rasą i klasą robotniczą – tak wiele przejmujących wiadomości, z których niektóre są dostarczane z większym powodzeniem niż inne. Nieustraszony absurdalizm prawdopodobnie odwróci uwagę niektórych widzów od kilku z tych wiadomości, ale nie przeszkadza mi to. Traktuję tę cudowną kreację o wiele bardziej ze względu na jej wartość rozrywkową niż cokolwiek innego. Komunikaty, które rezonują, powinny być wyraźnie widoczne. Historia Rileya nie jest owiana mrocznymi metaforami. Mówi nam dokładnie, jak interpretować dziwaczny świat, który stworzył. Wschodząca gwiazda LaKeith Stanfield gra Cassiusa „Cash” Greena, głęboko myślącego, który mieszka w garażu swojego wuja ze swoją artystyczną dziewczyną o imieniu Detroit (nieocenioną Tessą Thompson). Nic dziwnego, że mężczyzna, który idzie przez Buta, zdecydowałby się nadać swoim bohaterom niezwykłe imiona. Te dwa to dopiero początek. Aby zebrać tyle zadrapań, by nadążyć za czynszem i zatankować do zardzewiałego wiadra, którym jeździ, podejmuje pracę jako telemarketer. Kiedy mądry starszy radzi mu, aby używał „białego głosu”, aby poprawić sprzedaż, Cash zaczyna grabić na zielono. Po tym, jak wspina się w szeregach świata telemarketingu, wznosząc się do boskiego statusu rozmówcy władzy, przyciąga uwagę ekscentrycznego, napędzanego narkotykami prezesa, Steve'a Lifta (Armie Hammer). Jego firma, WorryFree (miejsce, w którym pracownicy czują wszystko, ale tylko) kryje w sobie nowy, mroczny pomysł. Ale kiedy tajemnica wychodzi na jaw, jego akcje niespodziewanie gwałtownie rosną, a Lift zostaje uznany za pionierskiego geniusza. Racjonalnie myśląca opinia publiczna niewątpliwie sprzeciwiła się planowi Lift'a, ale wielki biznes kontynuował. Jak wyjaśnia Cassius organizator związku, Squeeze (Steve Yuen), „jeśli pokazujesz ludziom problem, ale nie wiedzą, co z nim zrobić, po prostu nauczą się do niego przyzwyczajać”. Jeśli sądzisz, że masz coś z tej fabuły, pomyśl jeszcze raz. W trzecim akcie dokonuje radykalnego skrętu w lewo, który skusi niektórych widzów do skoku ze statku. Moja rada: zostań na pokładzie. Nawet jeśli nie chcesz całkowicie się w to wczuć, po prostu zatrzymaj się, aby zobaczyć, dokąd prowadzi ten nowy kierunek. Film leci z taką łatwą energią wcześnie, a potem wpada w turbulencje, gdy próbuje wymyślić, jak to zakończyć. Riley wprowadza tak dużo psychodelicznego szaleństwa, że ​​pod koniec jest prawie niemożliwe, aby zakończyć historię. Ale w pewnym momencie trzeba zejść z każdej wyprawy. Mimo że jest tak niesamowicie fantastyczny, pod wieloma względami ten film wydaje się niewiarygodnie prawdziwy. Jak to ujął Riley, stara się „rozbić rzeczywistość, aby pomóc nam lepiej ją zrozumieć”. Misja zakończona.